12 canciones para empezar a flipar con la música clásica

De vez en cuando, la gente nos pide consejo sobre dónde empezar con el desalentador mundo de las grabaciones de música clásica. Han escuchado fragmentos aquí y allá, son curiosos, imaginan que probablemente lo disfrutarán una vez que se involucren, pero no sabrían dónde buscar. Nuestra estrategia es siempre ofrecer un puñado de sugerencias, en la mayor variedad posible. Como por ejemplo contratar una actuación de música clásica para dar una solución ideal y diferente a un evento.

Esa es la idea detrás de esta docena. Aquí hay 12 grabaciones seleccionadas para atraer a la gente que ha tenido poca exposición a la música clásica, pero que saben que quieren más. Hemos elaborado cuidadosamente la lista para cubrir una amplia gama de colores y estilos, instrumentos y estados de ánimo, formas y tamaños. Algunas piezas son ligeras, otras pesadas; algunas encantadoras, otras imponentes; algunas dramáticas, meditativas, amorosas, trágicas, elevadas, tontas. En total, las selecciones abarcan 1.200 años de historia de la música y todas han sido elegidas para causar una buena primera impresión y abrir el apetito. Son obras de “puerta”, si se quiere. Nos sorprendería si hubiese alguien que no pudiera encontrar algo en esta lista que le complaciera e intrigara. Piensa en ello como una muestra, un menú de tapas: si no te gustan las aceitunas rellenas/Misa Renacentista, prueba el cuarteto de cuerda “Camarones al ajo” del siglo XX.

¿Son estas las doce mejores obras de la historia? No, aunque algunas de ellas podrían justamente reclamar un lugar en tal lista. La mayoría son obras que hemos sugerido a la gente, y que han tenido una respuesta favorable. Otras hemos visto que atraen a los novatos de maneras que no esperábamos.

Canto Gregoriano para la Pascua

Artista: Capella Antiqua, Munich. Fecha de publicación: 2006. La historia registrada de la música “clásica” en la tradición “artística” occidental (muchos de estos términos son tan problemáticos) comienza en el período medieval con la música compuesta para uso de la iglesia – ajustes de textos sagrados en latín para coros que cantan al unísono, sólo una nota a la vez. La serena meditación del canto gregoriano (llamado así por el reformador litúrgico Papa Gregorio, 540-604, que lanzó la práctica según la leyenda) lo ha hecho popular en los últimos años, utilizable como telón de fondo para cualquier cosa, desde el yoga hasta el enfriamiento después de la locura. Hay un montón de CDs de cantos por ahí, algunos con un embalaje más moderno, pero estas actuaciones de las voces masculinas de Capella Antiqua, Munich, rodeadas de un halo de reverberación como el de una catedral, son majestuosas y magníficas.

Ockeghem: Requiem

Artista: Ensemble Organum, Marcel Perees. Fecha de lanzamiento: 1993. Un amigo nuestro, también músico, ha tocado varias piezas clásicas para su hijo pequeño, e informa que a él parece gustarle más la música de Johannes Ockeghem (c. 1410-1497). Podría ser la forma en que este compositor del Renacimiento entrelaza las voces para crear una especie de manta para las orejas. O quizás el suave murmullo de esta música le recuerda a los sonidos del útero. De cualquier manera, la interpretación del Ensemble Organum de este Réquiem (una misa para honrar a los muertos) es espaciosa y tranquila, pero también posee una especie de resonancia autoritaria y viril.

Bach: Seis conciertos para el Margrave de Brandenburgo.

Artista: Trevor Pinnock. Fecha de publicación: 2008. Incomparablemente alegres y chispeantes. Estas seis piezas pueden afirmar ser la mayor de las obras instrumentales barrocas como, con la posible excepción de los conciertos de “Las Cuatro Estaciones” de Vivaldi, la más popular. Los compositores de la época barroca (aproximadamente 1600-1750) dieron prioridad a una habilidad musical llamada contrapunto, la práctica de combinar líneas instrumentales o vocales independientes en un conjunto complejo. Johann Sebastian Bach no tenía rivales (y seguramente nunca los tendrá) en este arte, dando a cada sección de la orquesta algo gratificante y divertido que hacer. Construyó estructuras de grandiosidad y energía irresistible. Cada uno de estos conciertos está anotado para una combinación diferente; si quiere probarlo, pruebe el primer movimiento del Concierto no. 2, en el que cuatro solistas de tono brillante (violín, flauta, oboe y trompeta) bailan festivamente alrededor de la orquesta de cuerdas que los acompaña, o el veloz final del Concierto no. 3, un espectáculo de torbellino para cuerdas solas.

Mozart: Aperturas

Artista: Wolfgang Amadeus Mozart. Después de que Bach y sus contemporáneos llevaran el contrapunto barroco a su apogeo, los compositores de la siguiente generación reaccionaron aligerando la textura de su música. La línea melódica dominaba, y los instrumentos medios y bajos fueron confiados con un acompañamiento armónico y rítmico más que con líneas independientes propias. Este nuevo estilo, sin embargo, no era menos burbujeante y enérgico. Para ello, ver las oberturas (preludios instrumentales) que Mozart (1756-91) escribió para sus óperas. Brillantes para llamar la atención, llamativas pero nunca demasiado pomposas, llenas de melodías pegadizas, descarados solos de viento y conmovedores pasajes de trompeta y tambor, estas oberturas son tocadas con gran entusiasmo por la Capella Istropolitana.

Chopin: Etudes Opp. 10 y 25

Artista: Freddy Kempf. Fecha de publicación: 2004. La música de Frederic Chopin, llena de innovaciones en matices de armonía y delicados efectos colorísticos, empujó los límites de lo que un piano podía hacer. En estos dos conjuntos de estudios (completados en 1832 y 1836), también impulsó la técnica del piano, haciendo demandas sin precedentes de virtuosismo en obras que todavía están entre las más ricas en deslumbramiento jamás escritas. Sin embargo, no todas las piezas son de dedos; algunas son estudios de toque sensible y melodía cantada. Aunque la técnica del pianista Freddy Kempf es precisa, estos estudios son para él primero poesía; en op. 10 nº 3 en mi o en la op. 25 nº 1 en la bemol, frasea la melodía superficial con la expresividad que un gran vocalista podría aportarle.

Pearl Fishers y otros famosos dúos operísticos

Artista: Varios Artistas. Se nos ocurrió que un álbum de duetos podría ser una mejor introducción a la ópera que uno de artistas en solitario, aunque esos grandes momentos de diva/divo son lo que el público en general piensa cuando escucha el término ópera. Los dúos, por supuesto, muestran la interacción de los personajes de la que se trata el lado dramático de la ópera: amor, conflicto, amistad o traición, como en el abrasador final del acto II de Otello de Verdi, cuando se jura falsamente lealtad al personaje principal. Dos dúos populares grabados aquí provienen de óperas francesas, el resto de italianas. Grabaciones completas de muchas de estas óperas están disponibles en eMusic, así que si estos extractos le abren el apetito, puede pasar a explorar toda la obra.

Dvorak / Haydn / Shostakovich: Cuartetos de cuerda

Artista: Cuarteto Cassoviae. Fecha de lanzamiento: 2000. El disco contiene una mini-historia del cuarteto de cuerdas en sí: una pieza elegante y boyante (1799) de Franz Josef Haydn, un pionero de la forma; un ejemplo fragantemente afinado (1893) de Antonin Dvorak, escrito bajo la influencia de la canción popular americana; y una amarga obra semi-autobiográfica (1960) de Dmitri Shostakovich, que refleja su estado de ánimo durante una vida vivida bajo la opresión soviética. La interpretación de este último cuarteto por parte del Cuarteto Cassoviae es quizás la más impresionante del disco: es tenso, enérgico, apasionantemente expresivo e incluso un poco pesadilloso.

Alexander Borodin: Sinfonía nº 2

Dirigida por Carlos Kleiber y Erich Kleiber. Artista: Kleiber. Fecha de publicación: 2003. El brusco gesto que lanza la Segunda Sinfonía de Alexander Borodin (1876) es definitivamente una de las aperturas más llamativas: resplandeciente, apasionada y rusa, rusa, rusa. Compárala con la sinuosa melodía de oboe que viene después, y escucharás los dos lados de la personalidad musical de Borodin: bárbaro vs. sensual, ambos teñidos con los exóticos colores folclóricos de las antiguas tribus asiáticas. Este disco es también el único que conozco que ofrece interpretaciones padre-hijo de la misma obra, de Erich (1890-1956) y Carlos Kleiber (1930-2004).

Stravinsky: Álbum del 125º Aniversario

La Consagración de la Primavera / Concierto para violín (Stravinsky, Vol. 8). Artista: Jennifer Frautschi. Cuando Igor Stravinsky recibió el encargo de escribir música para un ballet que representaba antiguos rituales de fertilidad, ¿intentó desde el principio revolucionar la historia musical? Llenó su colorida partitura (completada en 1913) con golpes, ritmos asimétricos y duras disonancias. Elementos sin precedentes en la época; es uno de los muchos compositores en las primeras décadas del siglo XX que lanzó una bomba en medio de las suposiciones de la era romántica sobre lo que la música podía ser. Este espectáculo terrenal y visceralmente intenso aún sorprende a las audiencias, especialmente a aquellos que ven la música clásica como algo aburrido y elegante. Piensa en ella como heavy metal clásico. Robert Craft, un viejo colega del compositor, dirige una actuación particularmente audaz y poco elegante.

Strauss: Symphonia Doméstica

Eine Alpensinfonie / Concierto para Oboe / Dúo – Concierto. Artista: Royal Liverpool Philharmonic Orchestra. Fecha de publicación: 2006. Este disco muestra los dos lados del compositor Richard Strauss. En la Symphonia domestica (1903) y Eine Alpensinfonie (Una sinfonía alpina, 1915), coronó la tradición del romanticismo alemán con dos de las obras orquestales más grandes y opulentas de la historia; en sus dos nostálgicos conciertos (uno para oboe desde 1945, el otro para clarinete y fagot desde 1947), revivió el espíritu de Mozart en piezas esbeltas, afinadas, pero otoñales para una orquesta (mucho) más pequeña. El solista de oboe Jonathan Small, en particular, toca con una fluidez deslumbrante, y el director Gerard Schwarz es especialmente hábil en esta música tan arrolladora.

Hijas de la Isla Lonsome

Artista: Margaret Leng Tan. Fecha de lanzamiento: 1994. Con sólo insertar tornillos, gomas de borrar y otras cosillas entre las cuerdas de un piano, John Cage (1912-1992) fue capaz de convertir el instrumento en una orquesta de percusión en miniatura. Esta fue sólo una de las muchas innovaciones del vanguardista. En este disco, la teclista Margaret Leng Tan, la principal virtuosa del piano de juguete del mundo, rinde homenaje a los experimentos de Cage, a su vitalidad rítmica y al espíritu de inspiración zen que le llevó a plantearse profundas preguntas conceptuales sobre la música. Pero incluso cuando Cage desafió las nociones tradicionales de la música, no es difícil encontrar gran belleza, ingenio, profundidad y suavidad espiritual en su trabajo. En el nombre del Holocausto, lo que prueba que el instrumento que él llamaba “piano preparado” era igual de capaz de una gran intensidad.

Reich: Trenes diferentes

Artista: El Cuarteto del Duque, Andrew Russo y Marc Mellits. De niño, a principios de los 40, el compositor Steve Reich solía viajar por los EE.UU. en tren cada año. Pensando en los “diferentes trenes” que podría haber tomado como judío si hubiera crecido en Europa, Reich se inspiró para componer esta poderosa obra para cuarteto de cuerdas y cinta. Fragmentos de entrevistas grabadas con empleados reales del ferrocarril se tejen entre las partes de cuerda que se agitan con urgencia, con sus lengüetas que hacen eco de las inflexiones vocales de los oradores. También se incluye aquí la Fase de Piano de Reich de 1967, que fue una innovadora obra temprana que utilizó una técnica de composición que captó su imaginación: complejos efectos rítmicos logrados por sutiles cambios en la coordinación temporal entre los músicos, creando un efecto ondulante parecido al trance.

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