Cantantes y grupos de los 90

En este artículo pretendemos hablar de algo más que de cantantes y grupos de los 90, llevando este fantástico tema por caminos de esperanza musical. Ya nos entenderéis…

A diferencia de la mayoría de las otras épocas, la noción de música de los 90 es difícil de precisar. Extraño y ecléctico, la década desafía la categorización fácil, pero es esta polinización cruzada de sonidos lo que dejó un legado que rompe fronteras y que permanece hoy en día.

Durante casi una década, hemos disfrutado de los sonidos nostálgicos de cantidades innecesarias de reverberación, líneas de bajo arenosas, voces con demasiado eco, sintetizadores simplistas y cajas de baterías muy contundentes. Sin embargo, está empezando a verse últimamente una vuelta a los 90, con la clara intención de volver a la industria de la música.

Algunos grandes nombres, así como otros nuevos, están tomando el estilo clásico. Más notablemente, Bruno Mars lanzó recientemente su canción «Finesse», que se basa en gran medida en la cultura b-boy y hip-hop de los 90. El uso de los éxitos de cuerda, el bajo sintetizador y los kits de batería más suaves, trasladan a cualquiera que haya experimentado música de los 90 en el tiempo preciado de aquella época.

Si bien este puede ser el éxito más obvio para volver a la era noventera, son artistas como The Weeknd, SZA, John Legend y Khalid, cuatro de los cantantes de R&B más grandes actualmente en la radio, los que están trayendo de vuelta el género con éxito tras éxito. Todos usando letras emocionales, producción suave, hasta simple, y cantando en las octavas superiores. The Weeknd incluso contó con el famoso dúo electrónico de finales de los 90, Daft Punk, en dos de sus canciones en el álbum «Starboy».

Hablando de electrónica, muchos de los subgéneros también están volviendo. El trance es uno de los subgéneros que regresan a los festivales, con actos como Above and Beyond, Seven Lions y Virtual Self, todos popularizando una forma modernizada de trance que aún mantiene el sentimiento energético y etéreo, así como los ritmos consistentes y rápidos. El tecno también está volviendo a la escena de la danza, con artistas como Rezz e I_o tomando las formas atmosféricas y oscuras del dance, y poniéndolas al día con una producción más sólida. Y, por supuesto, el electro funk también está siendo revisado, con artistas como Oliver y The Knocks trayendo el ritmo oscilante y las voces inspiradas en la discoteca de la era del Daft Punk y The Chemical Brothers en un subgénero conocido como electro-funk.

Aunque el rock no está llegando a las listas con tanta frecuencia como solía hacerlo, todavía hay bandas que intentan replicar la sensación del grunge, y no sería una sorpresa ver a estas bandas ganar popularidad. Superheaven, White Lung y Speedy Ortiz replican los pegadizos riffs de guitarra, la batería y el tono general que uno encontraría en una canción de Nirvana.
Así que mientras que podemos mirar a los años 80 en busca de nostalgia todavía, parece que estamos progresando a la era en la que los 90 son nuestra principal fuente de nostalgia en nuestra cultura.

El nacimiento del grunge

En el período previo a su punto de inflexión (recordemos a Nirvana’s Nevermind), la música basada en guitarra se convirtió aproximadamente en tres categorías: rock alternativo, standbys de rock clásico y una escena de hair metal ya atenuada. Estaba tan perdido que 1989 también marcó el curioso año en que Jethro Tull ganó el mejor Grammy de hard-rock/metal.

Sin embargo, en ese momento, el impacto de MTV como árbitro de la cultura juvenil no podía subestimarse. El video de Smells Like Teen Spirit de Nirvana se estrenó en silencio en 120Minutes, el hijastro nocturno de la cadena, y fue casi exótico en su traición a las convenciones visuales del canal. Era oscuro, cínico y tan directamente «No me importa un carajo» de una manera que los actos de rock más duros autoconscientes de la industria fundamentalmente no lo eran. Pero lo que hace que el Nirvana sea un microcosmos tan grande de la música de los 90 fue que su sonido no era singular en alcance. Hacía referencia a todo, desde punk hasta rock de garaje, indie pop, country y blues.

El heavy metal no desapareció; simplemente se reconfiguró a sí mismo. Las actuaciones más formidables (Guns N’ Roses, Metallica, Aerosmith) trascendieron las modas, convirtiéndose en bandas de estadio. Aún así, en su mayor parte, los fans del rock desviaron su atención hacia el grunge, con Nevermind y su seguimiento, In Utero, sirviendo como puerta de entrada a otras bandas relacionadas con la escena: ex compañeros de sello Mudhoney, Soundgarden inspirado en el metal, rockeros clásicos en la fabricación Pearl Jam y la más sombría Alice In Chains. Por no hablar de los grupos no Seattle Bush, Stone Temple Pilots y una roca pre-arte Radiohead, todas esencialmente destilaciones de lo anterior.

El grunge estaba descaradamente dominado por los hombres. En cualquier caso, Hole (frenteado por la esposa de Cobain, Courtney Love) logró beneficiarse en gran medida de la popularidad del grunge. El álbum revolucionario del grupo, el proféticamente llamado lanzamiento Live Through This, cayó en 1994, apenas una semana después de la muerte de Cobain. Celebrity Skin, su seguimiento de 1998, terminó siendo su álbum más vendido.

Las chicas al poder

La mayoría de las bandas de rock de frente femenino no charteaban tan bien, pero sí comerciaban con una moneda cultural que producía una vibrante escena de rock feminista.

Hacia el final de la década, un aumento del feminismo (y el poder adquisitivo femenino) en la música de los 90 filtraría las listas pop. Esto llevó a una explosión de cantantes y compositoras multiplatino: Sarah McLachlan, Alanis Morissette, Sheryl Crow, Lisa Loeb, Paula Cole, Fiona Apple, Jewel y la única mujer de color, Tracy Chapman. Todo lo anterior (menos Morissette) también apareció en la gira inaugural de Lilith Fair, la respuesta de McLachlan a Lollapalooza. Se convirtió en el festival itinerante más vendido de 1997.

La contracultura se normalizó

El mayor impacto del grunge en la música de los 90 fue que normalizó lo que una vez se consideró contracultural. De repente, los oyentes de música de mitad de camino fueron empujados a explorar lo que una vez se consideró el dominio de los fans de la música independiente, que inicialmente vieron a estos recién llegados como intrusos. Sonic Youth – ídolos de innumerables bandas de punk, incluido Nirvana, que se había abierto para ellos en Europa justo antes de que Nevermind explotara – finalmente estaban recibiendo radio y MTV. Pixies y R.E.M., ya muy respetados en el underground, también crecieron su base de fans, junto con recién llegados de ideas afines como Pavement, Elliott Smith, Weezer y Beck.

Mientras tanto, la escena alt.rock más fuerte, asumió el espacio dejado por el heavy metal. Nine Inch Nails de la música industrial y Marilyn Manson, Rage Against the Machine y Faith No More del rap-rock, los Red Hot Chili Peppers y Primus centrados en el funk, así como el rock trascendente de The Smashing Pumpkins y Jane’s Addiction, todo capitalizado en la nueva sed de angustia. En este nuevo entorno, incluso una reedición de Madre, de la bestia distópica del metal gótico Glenn Danzig, se convirtió en un éxito. Perry Farrell, el excéntrico líder de Jane’s Addiction, se convirtió en un nexo para este fenómeno en la música de los 90 cuando creó el entonces quijotesco festival Lollapalooza (su nombre es un diccionario Webster de corte profundo que significa «extraordinariamente impresionante») en el auspicioso año de 1991.

Después de una década de narrativas de jock-versus-nerd, ser raro se volvió genial, con la influencia del grunge impregnando la estética de la moda. Películas como Cameron Crowe’s Seattle-centric Singles, Ben Stiller’s Reality Bites y Allan Moyle’s Empire Records saltaron a bordo para celebrar las virtudes de los forasteros.

A medida que la trayectoria de 90 músicas continuó siendo remodelada por el grunge, el género en sí comenzó a desvanecerse a mediados de la década. Algunas bandas influyentes lucharon con problemas catastróficos de abuso de sustancias. Otros sintieron un desencanto con convertirse en parte del establecimiento que trabajaron tan duro para superar. Los progenitores que sobrevivieron – Soundgarden y Pearl Jam, por ejemplo – cambiaron sus sonidos. Este último fue un paso más allá: simplemente detuvieron la máquina negándose a hacer videos musicales. Y en un movimiento aún más valiente, Pearl Jam se negó a trabajar con el gigante de los eventos Ticketmaster.

Cuesta abajo y sin frenos con el Britpop

En el Reino Unido, la adquisición de grunge a principios de los 90 creó una reacción violenta en forma de Britpop. No es coincidencia que el segundo álbum de Blur, que define el sonido, se titulara Modern Life Is Rubbish (o que su título alternativo fuera Gran Bretaña contra América). El movimiento Cool Britannia se remonta a los años 60 y a la fértil escena musical que cultivó, haciendo referencia a leyendas musicales como The Jam, The Kinks y The Who.

Blur abrió el camino para la música de los 90 en el Reino Unido, aunque en feroz competencia con sus compañeros que definen el género Suede, cuyo debut homónimo tan borroso surgió en 1993. En 1994, Blur había lanzado el seminal Parklife y toda una escena acorralada a su alrededor, produciendo algunos álbumes excepcionales: la rápida y inteligente Different Class de Pulp, el LP autotitulado indie-cool de Elastica, el alegremente pop de Supergrass, I Should Coco, y el rock sin lujos de los nuevos rivales Oasis Definitely Maybe. Mala sangre entre Blur y Oasis subrayó infamemente Battle Of Britpop de 1995, una competencia de singles no oficiales en la que ambos grupos lanzaron una pista el mismo día. Una versión moderna de los mods frente a los rockeros, la prensa que lo rodeaba era nada menos que vertiginosa, enmarcándola como un tira y afloja entre bandas de clase media y de clase trabajadora.

Al final, la Casa de Campo de Blur más que Roll With It de Oasis. Pero en un año, Oasis alcanzó la asombrosa fama internacional e incluso rompió a Estados Unidos, lo que eludió a Blur. Esto culminó en dos espectáculos agotados en Knebworth Park, lo que resultó en el concierto al aire libre más grande de Inglaterra. Era una bolsa mixta: el evento también marcó el rápido declive del Britpop, que, como el grunge, había alcanzado el punto de saturación. Las teorías de Death knell incluyen: la sobreexposición de Oasis y las peleas en banda; Blur haciendo un álbum de lo-fi; e incluso las Spice Girls diluyendo una imagen centrada en Brit para la fama global.

El cambio tecnológico

Volviendo a 1991, también hubo un desarrollo fundamental de la industria musical, más allá del grunge, que cambió indeleblemente los gustos musicales durante décadas. Este fue el año en que Billboard actualizó los gráficos para reflejar las cifras reales de ventas de SoundScan. Hasta ese momento, las clasificaciones de los gráficos estaban determinadas por las proyecciones de los empleados y gerentes de la tienda de discos. Esas «conjeturas» a menudo estaban sesgadas en género y no siempre reflejaban el consumo público.

Los dulces de pop adolescente, un atractivo de mercado resistente, nunca se fueron. Los fans de Backstreet Boys y NSYNC (y, más tarde, Britney Spears y Christina Aguilera) continuaron haciendo mella significativa en las ventas. Y el incondicional grupo demográfico adulto-contemporáneo hizo megaestrellas de Kenny G, Whitney Houston, Michael Bolton y Celine Dion. Entonces las cosas se pusieron interesantes.

Ofertas más terrenales como Hootie & The Blowfish y Blues Traveler parecían surgir repentinamente de la nada. El éxito desenfrenado de la leyenda tejana Selena, una vez relegada al mundo latino, comenzó a aparecer en las listas principales. Y Garth Brooks se convirtió en un improbable timbre de las cosas por venir. Su álbum de 1991, Ropin’ The Wind, lanzado pocos meses después de la implementación de SoundScan, marcó la primera vez que un artista country había alcanzado el número 1 en la lista de álbumes Billboard 200.

El hip hop a toda mecha

Pero la nueva contabilidad de Billboard en realidad tuvo su mayor impacto en el R&B y el hip-hop, revelando la creciente relación de los dos géneros entre sí. Los años 90 comenzaron con New Jack Swing en pleno efecto, siendo sus proveedores más eficaces Bell Biv DeVoe, Al B Sure, Keith Sweat y Boys II Men. A medida que New Jack Swing disminuyó, R&B adoptó un sonido de alma y ranura tipificado por Janet Jackson, D’Angelo, Erykah Badu, Usher, Toni Braxton y Mary J Blige.

Pero tenían algo de competencia. Durante los años 90, muchos grupos de rap estaban llegando no solo a las listas Hot 100, sino también a las listas de R&B de Billboard. Esto fue ayudado por cantantes como Lauryn Hill y TLC, que integraron el hip-hop en sus sonidos. En particular, la colaboración de Mariah Carey en 1995 con Ol’ Dirty Bastard en «Fantasy» se convirtió en un momento decisivo en este período cruzado en la música de los 90.

El hip-hop se había vuelto tan generalizado porque era tan dinámico; su estirón de crecimiento precipitó una intrigante variedad de subgéneros. El enemigo público, la reina Latifah, el desarrollo arrestado, una tribu llamada Quest, Cypress Hill y OutKast estaban creciendo intelectualmente en temas sociales. Y Public Enemy obtuvo el sello de aprobación de la música alternativa con el cameo de Chuck D en «Kool Thing» de Sonic Youth. Algunos raperos, como Salt-N-Pepa, MC Hammer, Coolio, Will Smith y, más tarde, Missy Elliot, se centraron en cortar mermeladas antémicas preparadas para las listas de éxitos pop. Otros estaban agarrando a las masas por la yugular.

La década comenzó con los enemigos del gangsta-rap Ice Cube y Eazy-E forjando sus propios caminos, con el ex compañero de banda de NWA, el Dr. Dre innovando G-Funk a través de su monumental lanzamiento de 1992, The Chronic. Esto se convirtió en una épica disputa entre la costa este y la costa oeste (esencialmente, Bad Boy Records vs Death Row Records), durante la cual Warren G y Nate Dogg, Puff Daddy, Jay Z, Nas, Wu-Tang Clan, Busta Rhymes, Snoop Dogg y Eminem encontraron fama. De hecho, el Doggystyle de este último se convirtió en la primera vez que el primer álbum de un artista debutó en el número 1. Después de la muerte de The Notorious B.I.G. y 2Pac, el líder de Nation Of Islam Louis Farrakhan celebró una cumbre de paz en 1997, que terminó en Cube y Common abrazándola.

El rap fue un poco más pacífico y mucho más rentable después de eso. Este evento decisivo en la música de los 90 incluso preparó el género para el dominio absoluto que vemos hoy en día: un paisaje sonoro dirigido por hip hop que es una mezcla de rock, pop y R&B. No es una cosa; es todo. Y tal vez ese sea el verdadero legado de la música de los 90.

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