Lo más imprescindible del Jazz

Cuando hablamos con algunas personas sobre estilos de música y sale el jazz, muchos dicen que les encanta, pero luego hacen una pausa para decirte que no lo escuchan mucho porque no saben sobre eso.

Posiblemente están recelosos y desconcertados por las referencias a la evolución del jazz, como el swing de los años 40 y el bebop de los 50, que dio lugar al free-jazz de los 60 y todo eso. Como si hubiera un libro de texto y después una prueba, ya sabes. Sin mencionar las disputas políticas: por que el swing es el rey o en cambio lo es el bop . También como los 70 con la fusión, lo mató todo.

O tal vez se han desanimado por toda esas charla técnicas: quintas planas y acordes extendidos y los números detrás de la propulsión rítmica del swing, como si fuera ciencia de cohetes o algo así.

Luego está el aspecto del culto: esos tipos mayores que se agachan y se balancean en la parte trasera del club, haciendo como los ancianos judíos que se balancean en el templo, o la inclinación generalizada ante deidades como Louis Armstrong, Charlie Parker y John Coltrane (sin mencionar las luchas internas sobre quién merece ser santo).

La cosa es que el jazz no es nada de eso, y es todo eso. La apreciación no requiere conocimientos previos, pero la escucha continua ofrece un enriquecimiento constante. Los aspectos técnicos de los logros musicales del jazz tienen la belleza y la complejidad de las matemáticas superiores. Y la música tiene un genuino peso religioso, debido tanto a las tradiciones espirituales tradicionales como al pensamiento meditativo del momento. Además puede quedar genial en cualquier evento, tanto en formato de orquesta, grupo de versiones o pasacalles tematizado.

No podemos darte una lista de las 12 mejores, o decirte que lo que sigue cuenta la historia completa. Pero la siguiente lista expresa linajes de pensamiento, técnica instrumental, ideas rítmicas y concepción de grupo. Los puntos son fáciles de conectar, los nombres están claramente indicados y los sonidos son inolvidables.

Y esta lista es como esos juguetes de esponja que, colocados en el agua, crecen mágicamente de la noche a la mañana. Escucha y encontrarás un conocimiento expansivo fácilmente absorbido, sin mencionar los vínculos naturales con muchos más artistas y grabaciones.

Hot Fives And Sevens de Louis Armstrong

Fecha de lanzamiento: 1925. Contar la historia del jazz sin Louis Armstrong arriba es cortar la cabeza del organismo vivo que es el jazz. Armstrong era un trompetista gigante, era un cantante influyente y quizás lo más importante, transformó el jazz de una música estrictamente instrumental en una complicada mezcla de sonido solista y de conjunto. En ese sentido, casi todo el jazz del siglo XX que siguió surgió de la innovación de estas grabaciones. En el transcurso de estas sesiones, se puede escuchar la transformación en proceso, desde el tradicional estilo colectivo de Nueva Orleans a una mezcla diferente, con el toque de clarín de la trompa de Armstrong señalando el camino.

The Art Tatum Solo Masterpieces Volume 1

Fecha de publicación: 2001. Cualquier edición sacada de este juego de ocho CDs servirá. Y cualquiera es suficiente para dar una idea de la enormidad del genio de Tatum y sus efectos de largo alcance en toda la música que le siguió. Tatum simplemente tocaba más el piano, o sacaba más del instrumento, que cualquier otro músico. Era un vínculo directo entre los pianistas del prostíbulo y el solista clásico. Aquí, tarde en la vida, toca canción tras canción y, comenzando con “Demasiado maravilloso para las palabras”, construye cada una en un concierto de melodía, armónicos e improvisación que pone el listón muy alto y establece la lógica de gran parte del jazz moderno.

The Carnegie Hall Concerts: January 1943, de Duke Ellington

Fecha de lanzamiento: 1943. Poco en el jazz se compara con la majestad, la finura, la integridad y la chispa de las bandas de Duke Ellington durante los años 40. Fue un momento en el que el jazz tuvo dos funciones que nunca más volverá a tener: fue música popular, reflejo del corazón y la mente de la nación, y la revolución artística, trazando nuevas aguas. En Ellington, como quizás en ningún otro músico que no fuera Louis Armstrong, el jazz tenía un líder que entendía ambos impulsos. El sueño de Ellington era tocar en el Carnegie Hall, y se anticipaba a los logros del Lincoln Center de Wynton Marsalis en la actualidad. Esta grabación contiene tanto melodías más cortas (maravillosas miniaturas de gran alcance) como la obra más ambiciosa y de forma más larga de Ellington “Black, Brown, and Beige”. Hay declaraciones estelares en solitario por parte de jugadores como los saxofonistas Ben Webster y Johnny Hodges, pero en realidad, es la brillante cohesión de toda la banda y la visión general de Ellington lo que hace que esta música sea intemporal.

Tomorrow Is The Question, de Ornette Coleman

Fecha de lanzamiento: 1959. La música de Ornette Coleman siempre se ha apoyado en la tradición -escucha a Charlie Parker y oirás sus ecos aquí-, destilada en algo nuevo y apuntando directamente hacia el futuro, o enroscada como una frase de concurso. Aquí, el título de Coleman pide ambas ideas. Y la música anunciaba la configuración de su cuarteto sin pianos: la armonía de los cambios de acordes por sí sola ya no confinaría la música de Coleman, reemplazada por su propia ciencia personal, empeñada en la liberación. La forma en que Coleman y el trompetista Don Cherry siguen las líneas del otro e intercambian ideas, el proceso suena más cercano a la pura alegría que a la ciencia dura. Casi medio siglo después, todavía suena fresco.

Alone In San Francisco, de Thelonious Monk

Fecha de lanzamiento: 1959. La música de Monk es lo más moderno y adictivo. Nunca escucharás nada parecido. Sete abrirá una idea totalmente nueva de cómo podía sonar el piano y de lo que podía hacer la música: sus composiciones, cada arpegio o grupo de tonos, contenían matemáticas, R&B, Expresionismo Abstracto y humor bufón. Y aunque Monk grabó bastantes álbumes notables liderando bandas estelares, aunque su música llevó a otros a tocar con una especial perspicacia y cohesión, es Monk solo al piano lo que se anhela: Recto, sin persecuciones. Aquí, al principio de su carrera, Monk transforma por sí mismo el Fugazi Hall de San Francisco con la arquitectura única de su piano. No es así como suena todo el jazz: Es lo que el mundo del jazz después de Monk parece otra cosa.

Bill Evans Trio: Sunday At The Village Vanguard

Fecha de publicación: 1961. Hay mucha evidencia religiosa, folclórica y literaria que apoya la idea de que el tres es un número mágico: el trío de Bill Evans podría ser el argumento más poderoso del jazz para ese caso. Evans fue uno de los pianistas más líricos del jazz, y está en su mejor momento aquí. Pero es la naturaleza de este trío lo que más eleva: ni Evans, ni el bajista Scott LaFaro, ni el baterista Paul Motian se aferran a los roles habituales. Y en la rebanada de queso de tres puntas de una habitación que es el Village Vanguard (lo más cercano al espacio sagrado que queda en el jazz hoy en día) la música adquiere una calidad de oración.

Live Trane: The European Tours, de John Coltrane

Fecha de publicación: 1961. En 1961, el estilo de Coltrane como solista, el libre flujo a través de los cambios de acordes y las improvisaciones basadas en escalas que el crítico Ira Gitler denominó “hojas de sonido”, su firma. El concepto de su banda estaba igualmente inclinado a expandir los límites y la energía explosiva. Coltrane puede haber establecido algunas de las sesiones de estudio más memorables del jazz, pero no hay nada como él capturado en vivo. Estos temas, extraídos de un conjunto de tres LP, lo encuentran en dos contextos poderosos a lo largo de cuatro años: en un quinteto de 1961 que incluye a Eric Dolphy en el saxo alto, la flauta y el clarinete; y al frente de su cuarteto clásico en los conciertos de 1963 y 1965. El fuego y especialmente la comunión entre Coltrane y el baterista Elvin Jones en el material posterior es algo que hay que contemplar.

Spiritual Unity, de Albert Ayler

Fecha de lanzamiento: 1964. El primer lanzamiento en el sello ESP de Bernard Stollman, esta es la sesión que empujó a Albert Ayler a la vanguardia del jazz. Sigue siendo una piedra de toque para cualquier músico de mente abierta que desee explorar las posibilidades sonoras de un instrumento dado, explotar el efecto agregado de cualquier grupo pequeño y minar el peso espiritual de la expresión musical. Para algunos, el arsenal de sonidos que Ayler sacaba de su saxofón: gritos, chillidos, lamentos, bocinazos y un vibrato de una milla de ancho cuando le apetecía. Representaba nuevas contorsiones de sonido; para otros, se remontaban a las primeras evocaciones del jazz, como el saxo soprano de Sidney Bechet. El atractivo de Ayler anticipa el eje actual que conecta a los punk rockers con el free jazz. Tomó la más simple de las estructuras de las canciones y las convirtió en la más compleja de las salpicaduras viscerales. Sus “Fantasmas”, aquí presentadas en dos versiones, realmente te perseguirán.

Afro-Cuban Jazz Moods, de Dizzy Gillespie y Machito

Fecha de lanzamiento: 1975. A un amigo nuestro, cuando editaba una revista de jazz, le molestaban los escritores que pensaban que el jazz latino era un pequeño complemento del jazz americano. El jazz son muchas historias, una de las principales es la diáspora africana. La música de América Latina, América del Sur y el Caribe son primos de la música americana (y contienen algunos secretos rítmicos que hemos olvidado, pensamos). Cuba en particular tiene una relación musical especial con los Estados Unidos, y el trompetista Dizzy Gillespie fue uno de los rangos del jazz que honró esa verdad con profundidad y estilo. Aunque Dizzy hizo su Big Cuban Bang décadas antes, esta sesión de 1975 lo encuentra con la afamada banda de Frank “Machito” Grillo, con el gran trompetista cubano Mario Bauz. “Oro, Incienso y Mirra” del compositor y arreglista Chico O’Farrill es una fusión de ideas transculturales tan moderna como la que se escucha hoy en día.

Raining On The Moon, de William Parker

Fecha de lanzamiento: 2002. Nacido en 1955, William Parker es un poco mayor que la música que conocemos como free jazz. Algunos dicen que esa revolución musical está muerta. pero creemos que están equivocados. Las señales de vida más vitales se encuentran en el Lower East Side de Manhattan. Y en el centro de esta escena está el fuerte e insistente sonido del bajo de Parker. Él es una especie de figura paterna, que imparte lecciones de vida así como sabiduría musical, como los legendarios directores de orquesta Duke Ellington, Art Blakey y Charles Mingus. Entre las muchas bandas de Parker está el cuarteto que dirige aquí (con Leena Conquest añadiendo voces conmovedoras). Entre las profundas conexiones que comparte está la que se puede sentir poderosamente a través de esta música, con el baterista Hamid Drake.

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